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The Future Sound Of London – Lifeforms (1994)

Quelle: https://img.discogs.com/HIl2rqYrXJvOVX524U94NjqyWMg=/fit-in/600×588/filters:strip_icc():format(jpeg):mode_rgb():quality(90)/discogs-images/R-2512-1323058660.jpeg.jpg

„Lifeforms may not have become the prototype for London’s future sound, but it is still one of the strongest records to come out of the 90s.

Despite all the efforts of British duo Garry Cobain and Brian Dougans (read: no less than thirty albums under twenty-five different aliases), the electronica they envisioned as London’s future sound over the past twenty-one years never exactly transitioned into the city’s present sound. But it’s been a fantastic run all the same, even if the duo has been focusing more on their psychedelic, progressive material as of late. With that said, the most impressive works in The Future Sound of London’s back catalogue are some of the duo’s earliest studio albums. The production of Lifeforms was well underway as Cobain and Dougans released Tales of Ephindrina under the Amorphous Androgynous banner in 1993. Accordingly, whereas Tales of Ephindrina did a great job in combining the techno of the duo’s earliest writings and the ambience of their later works, Lifeforms takes on a more complex, experimental structure. In doing this, The Future Sound of London not only cemented their status as one of the scene’s top acts, but also crafted one of the genre’s top records.

If Lifeforms was held back by anything at all, it would certainly be its large volume of tracks. There are longer electronic albums from that era, of course; case in point, The Orb’s Adventures Beyond the Ultraworld exceeds it by nearly twenty minutes. But with ninety-two minutes of material spread over nineteen songs on two discs, Lifeforms can make for quite the daunting listen nevertheless. That isn’t to say that it’s tedious, just a bit dense on the first few listens. Contributing to the album’s arguably inaccessible aura is the experimental direction taken by Cobain and Dougans. Album opener „Cascade“, for example, opens with a minute and a half of alien sounding overtures and spacey samples, before transitioning into a melting pot of said samples, a subtle, synthesized ambience, and light beats. And though much of the double album is spent experimenting with a delicate sound built on sweeping samples and shrouds of electric noise, it would be a mistake to pigeonhole Lifeforms into having nineteen different versions of „Cascade“. One of the album’s most impeccable aspects is its subtle format; there’s just so much going on in nearly every song that you’ll hear something new on each listen.

The album’s antithesis, then, is its title track. A hit single in the UK, „Lifeforms“ abandons the soft, discreet textures so predominately featured throughout the double album in favour of heavier ambient house influences. The song is owns one of Lifeforms‘ heaviest rhythm sections, making it one of the record’s more in-your-face-type tracks, and certainly the catchiest. Parts of „Among Myselves“ also echo the title track’s dancier moments, but not without applying the oddities heard in virtually every other track. And despite standing out as two of the few truly danceable tracks on a primarily ambient album, both „Lifeforms“ and „Among Myselves“ hardly sound out of place.

But as notable as the likes of „Lifeforms“, the driving „Flak“ (which incidentally features guitarist Robert Fripp of King Crimson fame), and the almost frightening „Spineless Jelly“ may be, the sheer scope of Lifeforms prevents it from being anything other than brilliant. Falling victim to the old quality vs. quantity debate, double albums tend to taper off the longer they go on. With Lifeforms, however, The Future Sound of London build off and improve on each subsequent track; consequently, to pinpoint a highlight is virtually impossible as nearly every song could make a case for such an honour. But such talk is moot in the end as Lifeforms is just such a rewarding record to listen to. It’s dense. It’s expansive. It’s relaxing, engaging, intimate, strange, perhaps pretentious at times, and an assortment of other positive adjectives. But above all else, Lifeforms is a blast to listen to and ranks up with the Boards of Canadas, the Shpongles, The Orbs as for as 90s electronic music is concerned.“ (http://www.sputnikmusic.com/review/29018/The-Future-Sound-of-London-Lifeforms/)

Wikipediaeintrag zu FSOL

Plastic Operator – Different Places (2007)

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„Unbeschwerter Elektro-Pop zwischen Air und Console

Fine Day Records heißt das Label, auf dem mit „Different Places“ das Debütalbum von Plastic Operator erscheint. Und einen angenehmen Tag verbringt man garantiert, wenn Mathieu Gendreau und Pieter Van Dessel den Soundtrack dazu spielen. Die elf Tracks des Albums sprühen nur so vor optimistischer Naivität, unterlegt mit locker nach vorne hüpfenden Grooves. Ein kurzweiliges Hörvergnügen, das die Zuhörer mit seiner zwischen Air und Console oszillierenden Leichtigkeit und Unbeschwertheit auf Anhieb begeistert.

Eine Platte, wie gemacht für sonnige Sommertage, die gute Laune ist vorprogrammiert. Nicht umsonst heißt gleich der Opener „The Pleasure Is Mine“. Im Anschluss daran liefern Plastic Operator mit „Peppermint“ den schönsten Song des Albums ab. Das sanft melancholische Stück hört sich an wie eine elektronische Adaption eines Notwist-Songs. Überhaupt klingt das Duo bei vielen Songs, als wären auch sie im bayerischen Weilheim zu Hause.

Dabei liegen die Wurzeln von Mathieu Gendreau in Kanada, diejenigen von Pieter Van Dessel in Belgien. Getroffen haben sich die beiden Produzenten allerdings in London. Aus Liebe zu den Pet Shop Boys, Akufen und Jean Michel Jarre entstand dann das Projekt Plastic Operator. Erste Tracks, die im Selbstvertrieb in Londoner Plattenläden die Runde machten, stießen sofort auf offene Ohren. Angespornt von den positiven Reaktionen machten sich Plastic Operator an die Arbeit für ein Album.

Sehr routiniert und zielgerichtet klingt das Ergebnis. Die durchgängig schönen Gesangsmelodien machen einen guten Teil des Popappeals von „Different Places“ aus. Dezenter Vokoder-Einsatz lässt immer mal wieder an Daft Punk denken, beispielsweise bei „Special Case“. Die sehr gute Produktion unterstützt den geschmeidigen Flow des Albums. Dass Songs wie „Another Sound“ mit ihren Italo-Anleihen hart an der Grenze angesiedelt sind, nehmen Plastic Operator gerne in Kauf.

Hier geht es nicht um Tiefgang, sondern um Popmusik. Und die darf gerne mit ihrer plakativ zur Schau getragenen Oberflächlichkeit spielen. Plastik-Pop im besten Sinne des Wortes, freilich mit einem Augenzwinkern vorgetragen und gerade deshalb angenehm aufreizend. (Daniel Straub)“ (http://www.laut.de/Plastic-Operator/Different-Places-%28Album%29)

http://www.plasticoperator.com/ – Offizielle Webseite von Plastic Operator

Nicolette – Let No-One Live Rent Free In Your Head (1996)

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„Schon vor Erscheinen wurde dieses zweite Album der Sängerin aus dem Massive Attack-Umfeld mit reichlich Vorschußlorbeeren bedacht. Mit seinen sphärischen Tekkno-, Trip-Hop- und Drum & Bass-Beats liegt es jedenfalls voll am Puls der Zeit. Darüber hinaus besitzt Nicolette eine eindringliche und markante Stimme; die vielstrapazierten Vergleiche mit Björk haben also ihre Berechtigung…“ (http://schallplattenmann.de/a100360-Nicolette-Let-No-One-Live-Rent-Free-In-Your-Head.htm)

„Okay, zum Auftakt piepst der Synthesizer, als sei er per Zufallsgenerator gesteuert. Aber man hat es ja schließlich mit Jungle Music zu tun, wo derlei Geräusch-Szenarien zum guten Ton gehören. Doch verschwindet dieser digitale Nervtöter in der Folgezeit fast völlig, und die am Mischpult montierten Drums’n’Bass-Grooves tönen längst nicht so abgedreht wie gewohnt. Dann erstrahlt diese magische Stimme, hell und klar, und erklimmt mühelos die höchsten Tonlagen, und schlagartig versteht man, warum die gebürtige Nigerianerin Nicolette als Billie Holiday des Dance Music gefeiert wird. Doch kein Jungle also? Eher schon dessen Zukunft: Zusammen mit Topmixern aus dem Londoner Underground gibt Nicolette dem Breakbeat eine bislang nicht gekannte Ästhetik.“ (http://www.amazon.de/Live-Rent-Free-Your-Head/dp/B000091JXW/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=music&qid=1263061815&sr=1-1)

The Go Find – Miami (2004)

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„…Da gönne ich mir doch die melodischen, belgischen Poppralinen einer One-Man-Band aus Antwerpen. The Go Find nennt sich Dieter Sermeus und bringt mit „Miami“ eine rhythmische, melodische Platte auf einem wohligen Label heraus. Da bleibt einem nichts anderes übrig, als zum bequemen Möbel zu mutieren oder sich unter der hausinternen Diskokugel bestens zu amüsieren. Morr Music ist auch die Heimat von Lali Puna, deren Mitglieder bei den LAUT-internen Lieblingen Notwist, Console und Tied & Tickled Trio die Indie-Elektrohüften schwingen. Eine bessere Familie hätte sich der 28-Jährige nicht suchen können. Die Weilheim’sche melancholische Elektropop-Verlorenheit hört man auch dem Go Find Dieter an, und spätestens ab „Modern Times“ werden meine lieben Kollegen jubeln.

Ich gluckse schon von Beginn an und freue mich, dass der erste Hit „Over The Edge“ meine eiskalten Finger auf der Tastatur taktvoll erwärmt. Da bleibt die Heizung doch noch aus. Der Albumtitel klingt schon nach Sonne, Strand und Don Johnson. „Miami Vice“, eine packende TV Abendserie mit coolen Cops, jeder Menge Ferraris und einem Krokodil namens Elvis. Seufz. Das war in den guten 80er Jahren. In welchem Kassettenrecorder lief nicht der Mega-Theme zum Krimi von Synthi-Guru Harold Faltermeyer?Dass The Go Find sich intensiv mit der Musik aus dieser Zeit beschäftigte und dabei vorwiegend die schwesterliche Plattensammlung nutze, ist auf seinem Debüt kaum zu überhören. Dabei geht er den klassischen Alleingang, indem er zu Hause an elektronischen Sounds herum werkelt und diese Komponente mit Hilfe von akustischen Instrumenten in eine wunderbare, abendtaugliche Popplatte vereint. Sein persönlicher Guru ist Arne van Petegem aka Styrofoam. Mit seiner Hilfe lernte Dieter alles Wissenswerte über die Musikproduktion am Computer kennen. Und das hört sich dann sehr viel moderner an, als vor 20 Jahren. „Summer Guest“ oder „Sky Window“ sind kleine Meisterhits, wobei man sich bei allen zehn Stücken gar nicht recht entscheiden kann, und ich hier noch ewig länger schwärmen könnte … „I Got Blisters On My Fingers!““ (http://www.laut.de/lautstark/cd-reviews/t/the_go_find/miami/index.htm)

http://www.thegofind.com/ – Offizielle Webseite

The Notwist – Neon Golden (2002)

Hörprobe

„Ich habe in meinem Zimmer ein Denkmal aufgebaut. Es ist ein schwarzer, ca. einen Meter hoher Monolith aus Kohle mit quadratischem Grundriss. Darauf steht ein majestätisch anmutendes rotes Pappding. Goldenes Neonlicht strahlt davon aus. Es ist ein Denkmal für das, was mir den Tag gerettet hat. Auf neue Notwist-Platten zu warten war schon immer etwas Besonderes. Natürlich können wir Musikjournalisten so eine Vorfreude gar nicht mehr nachvollziehen, weil wir immer mit Vorab-CDs versorgt werden. Aber als ich hörte, dass die Plattenfirma diesmal nur Tapes verschickt, beschloss ich zu warten. Natürlich konnte ich nicht umhin, die erste 12-Inch “Trashing Days” zu kaufen.

Und am Video zu “Pilot” kam man ja auch nicht vorbei. Aber ich habe noch keine einzige von den Reviews in den Mitbewerberblättern gelesen, nur das, was mein Freund Säm mir geschrieben hat. Er war außer sich. Ich war gespannt. Fünf Tage vor der Veröffentlichung habe ich die CD dann doch im Briefkasten. Das erste Stück heißt “One Step Inside Doesn’t Mean You Understand”. Eine Warnung vorneweg? Das Stück ist schön. Nicht mehr, nicht weniger. Dann kommt “Pilot”. Kenne ich, finde ich eher enttäuschend. Notwist machen Popmusik. Das sollen sie nicht. Beim dritten Lied liege ich dann am Boden. Das sind die Notwist, die ich liebe, das ist, was ich erwartet, was ich erhofft hatte. Da sind die kalten Schauer wieder auf meinem Rücken, die ich von “No Encores” auf der letzten Platte “Shrink” kenne. Bei “Trashing Days” sind Notwist ein bisschen die Pet Shop Boys – dürfen sie. Ab jetzt dürfen sie alles. Auch Lieder wie “Pilot” machen. Bei “This Room” sind sie sie selbst zur Zeit des “12”-Albums. “One With The Freaks” ist das “Chemicals” dieser Platte. “Off the Rails”, oh, das kenne ich auch schon in ähnlicher Version vom Soundtrack des Films “Crazy”, ist ein Sonnenstrahl in einer verschneiten Winterlandschaft. Entschuldigt mich kurz, ich muss weinen. Das ist, was ich gedacht und gefühlt habe, als ich “Neon Golden” angehört habe. Es liegt mir fern, tiefenpsychologische Mutmaßungen niederzuschreiben, denn ich bin kein Psychologe, auch will ich keine komplizierten pan-popkulturellen Betrachtungen anstellen, die der Band möglicherweise fernliegen. Außer: Notwist haben ein profitables Angebot eines Majors abgelehnt, weil sie nicht selbst hätten entscheiden dürfen, auf welche Sampler das Label sie wirft. Sie nerven nicht durch Überpräsenz in den Medien, beschwören aber auch nicht die öde Kein-Bock-auf-Interviews-Attitüde. Sie lassen sich wie nur sehr wenige andere Bands von dem ganzen Pop-Trara nicht die Bohne beeindrucken, und sie gehen keinesfalls hausieren damit. Sie haben unmoderne Frisuren und tragen auf der Bühne graue Sweatshirts mit Reißverschluss und uralte T-Shirts von Bands, die niemand kennt. Notwist sind einfach Notwist, und deshalb sind sie furchtbar wichtig. Ich habe sehr viele Gänsefüßchen in diesem Text benutzt, aber die meisten beziehen sich auf Notwist selbst. Das ist es, was der spröde schwarze Kreis auf dem Cover bedeutet. Was Postrock bedeutet, ist mir egal, solange es solche Platten gibt.“ (http://www.intro.de/platten/kritiken/23028705/the-notwist-neon-golden)

Moby – Play (1999)

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Was für andere Leute das Rauchen, ist für Großstadt-Eremit Moby das Politisieren: eine schlechte Angewohnheit, die man in kalten Silvesternächten abzulegen verspricht. Während der New Yorker auf dem Cover seines ersten Albums noch seitenweise Pamphlete und Statistiken über den miserablen Zustand der Erde abdruckte und sich auf Platte Nummer Zwo für die „Animal Rights“ einsetzte, nahm er sich für das jetzt erscheinende dritte Werk mal Persönliches zu verarbeiten vor. Dabei heraus kommt, was Songtitel wie „Honey“, „Find My Baby“, „Why Does My Heart Feel So Bad?“ trägt und allein ja noch keinen Anlaß zum Tränenverguß darstellt, aber die neuerliche Stilwandlung, die Moby nach einem Techno- und einer Punk/Industrial-Album vollzogen hat, hinterläßt doch ausreichend Fragezeichen.

Zwischen Lounge-Blues und Ambient-Sounds, zwischen leichtem Digital-Funk und (ja, man muß es so hart sagen) Pop hat Moby (wieder einmal im Alleingang) ein Album geschrieben, mit dem er einsam der Welt gegenübersteht. Und die Welt denkt: „Ist ja ganz nett.“ Aber auch: „Verdammt noch mal, wir wollen doch von Moby keine Nettigkeiten in die Ohren kriegen!“ Sicher, auch mit „Play“ wird er neue Hörer dazugewinnen, der Meister der Polarisation, und es sich mit Liebhabern seiner alten Werke gehörig zu vergraulen wissen. Wer bisher mit dem Herzen bei Moby und seinen Statements war, wird mit Sicherheit auf eine deutlich entschiedenere Platte gehofft haben.“ (http://www.intro.de/platten/kritiken/23024709/moby-play)

Wikipediaeintrag zum Album (en) und zu Moby (de)

„Nicht jeder hatte eine so gute Mutter wie ich“ Interview mit Moby bei Spiegel online

The Art Of Noise – In No Sense? Nonsense! (1987)

In No Sense? Nonsense! contains some of the Art of Noise’s most compelling work. With this album, Anne Dudley and company expanded their new wave experiments to include more instrumental firepower. In addition to full rock band production (including electric guitars, drums, and synthesizers), this record makes use of brass band, orchestral, and choral music. The result is about as rich and complex as they ever got. In No Sense? Nonsense! is probably best known as the album that included their take on the theme from the ’50s cop show Dragnet, used in the 1987 film version that starred Dan Akroyd and Tom Hanks. That track is certainly the most accessible on the record, but it somehow seems a little too punchy for the primary ambient pop surroundings. It might fit better on a different album. This record is more notable for tracks like „How Rapid?“ and „Opus for Four“ that engage in fanciful genre blending. At times, the sound almost begins to anticipate later ambient dance artists like Enigma and DJ Shadow. But the Art of Noise are aptly named and consequently limited. Their artful noise collage lacks the visceral impact afforded by those later bands. In No Sense? is more often interesting than beautiful. (Evan Cater, All Music Guide) “ (http://www.artistdirect.com/nad/store/artist/album/0,,45303,00.html)

Das Album bei Wikipedia (engl.)

CocoRosie – Noah’s Ark (2005)

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„… Cocorosie zaubern sich weg von diesem Planeten und klingen, als würden sie ganz weit draußen im Weltall sitzen und dort ihre tragischen Lieder noch einmal singen, bevor diese Erde endgültig untergeht.

Arrogant quäkend oder beseelt flüsternd treiben Cocorosie durch ihren extravaganten Kosmos. Kindisch verarbeiten sie Choräle, Glockenspiele oder schlecht aufgenommene Beats zu einer wunderbar eigenwillig-folkigen Melange. Auf dem verwunschenen Weg zum Indie-Star helfen die – natürlich total angesagten – Buddies Antony, der auf „Beautiful Boyz“ einen der ganz großen Höhepunkte dieser Platte abliefert, und Devendra Banheart mit seinem Lautsprecher-Style auf „Brazilian Sun“ mit, „Noah’s Ark“ zu einer der schönsten und eigensinnigsten Platten des Jahres machen. Feinfühlig hangeln die Schwesterlein von einem komischen Song in den nächsten und zeigen erst nach einiger Zeit ihr wahres Gesicht und Können. Sie sind pathetisch, egozentrisch und schlichtweg herzergreifend. „Noah’s Ark“ kennt keine Grenzen: von Pferdewiehern bis hin zu Operngesang wird alles zu einem stimmigen Gesamtkunstwerk arrangiert. Natürlich ist das alles hochgradig kalkuliert – wer sich aber darauf einlässt, der wird von diesen außergewöhnlichen Songperlen mühelos um den Finger gewickelt.“ (http://www.laut.de/lautstark/cd-reviews/c/cocorosie/noahs_ark/index.htm)

The Future Sound Of London – Dead Cities (1996)

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„…War ISDN 1995 schon verschroben und düster, so wurde der ganz eigene F.S.O.L Stil mit „Dead Cities“ meiner Meinung nach perfektioniert. Hier trifft wirklich jeder Song ins Schwarze.

Nach dem einführenden Herd Killing folgt auch schon der Titeltrack „Dead Cities“ mit den Worten: „I had killed a man…a man who looked liked me.“ Und schon beginnt der Albtraum, in den man hineingesogen wird. Ein nervöser Beat wird von düsteren Keyboardflächen untermalt. Und so bleibt der Song im Prinzip auch. Mal verschwinden die Flächen und werden von Melodiefragmenten abgelöst. Doch die düstere und surreale Stimmung bleibt erhalten. Das gilt für das ganze Album. Verwegen, experimentell, grotesk, endzeitlich. So ist die Welt von T.F.S.O.L.. Zumindest was dieses Album anbelangt. Es folgt „Her Face Forms In Summertime“. Driftende Gitarrenklänge, die in ihrem eigenen Wiederhall zu verschwinden scheinen, fortgetragen vom Winde. Es ist unfassbar, was mir für Bilder durch den Kopf gehen, wenn ich diesen Song höre. Eine perfekte Namensgebung, wie ich finde. Der ganze Song wirkt in der Tat warm. Aber er klingt so sehr nach Zeit, die verrinnt. Das mag an dem waberndem Sound liegen, der diesem Song inne wohnt. Er driftet nur so dahin. Dazu die langsam untergehende Sonne, die das verseuchte Meer in ein unheilvolles Rot taucht. Und immer diese Gedanken an ihr Gesicht aus Zeiten, in denen der Planet noch belebt war, man ein glückliches Leben führte. Noch nicht abgelöst von Tristesse und Verfall. Der Kontrast zu „We Have Explosive“ könnte kaum größer sein. Ein sofort einsetzender Breakbeat und piepsende Geräusche reißen den Hörer aus der Lethargie. Bigbeat par excellence. Ich kann nicht anders als dieses Lied mit einer Fahrt in einem futuristischem Gleiter zu assoziieren (…) Nach „We Have Explosive“ hat es sich dann aber auch mit den treibenden Krachnummern. Was folgt, ist sehr ambientartig und geht stark in Richtung „Lifeforms“. „Everyone in the World is doing something without me“ kommt schon fast sakral daher. Es verbreitet pure Einsamkeit. „My Kingdom“ ist dann wieder Rhythmus-betont und versetzt den Hörer in einen Dschungel, in dem irgendetwas Unheimliches zu hausen scheint. Paranoide Atmosphäre. In „Max“ dominiert die Ruhe. Melodisch, fast harmonisch, ohne einen Rhythmus driftet man für eine kurze Zeit von dannen und lässt die Gedanken fortgleiten. Tja, wer hätte gedacht, dass Zeitlosigkeit nur 2:49 Minuten dauert. Hervorheben möchte ich noch „Quagmire“, was fast unmöglich zu beschrieben ist. Vom Rhythmus her ein wenig Breakcore und viel Jazz, dazu Buschtrommeln, etwas nach Bläser klingendes und viele merkwürdige Sounds. Nach irrwitzigen fünf Minuten klingen die letzten 2 Minuten dann mit einem bunten Durcheinander von hellen Sounds aus. Das epische und 7:32 Minuten lange „Yage“ ruft wieder Dschungelszenarien hervor und wirft dann gegen Ende auch noch ein wenig Orientflair in den Topf.

Ich will auch erst gar nicht weiter versuchen, dieses Hörerlebnis genauer zu beschreiben. Was immer sich vor dem geistigen Auto abspielt: seien es Hochhäuserschluchten, die langsam verwittern, ein undurchdringlicher Dschungel, in dem Unheil lauert, welches von unbekannten Wesen ausgeht, die bizarre Geräusche von sich geben oder was auch immer.

Diese CD will selbst erlebt werden. „The Future Sound Of London“ haben es geschafft, eine CD zu produzieren, der man ihr Alter nicht anmerkt, wie es bei so vielen Realeases dieser Zeit der Fall ist. Es ist eine eigene Klanglandschaft…oder noch besser Klangwelt, in der man nicht den Eindruck bekommt, irgendetwas klänge ausgelutscht oder schon woanders unzählige Male gehört. Ich komme nicht umhin, dieser CD folgendes Prädikat zu verleihen: Klassiker!“ (http://www.medienkonverter.de/kritik.php4?id=1823)

Björk – Volta (2007)

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„Keine leichte Kost, aber Björks pop-ähnlichste Songs seit langem.

Mit ihrem Stimmakrobatik-Experiment Médulla schien sich Björk vor drei Jahren endgültig aus der Popwelt in Richtung Avantgarde-Kunst zu verabschieden, mit Volta kehrt sie zurück ins Rampenlicht, wenn auch zu ihren Bedingungen. Die zehn neuen Songs sind luxuriös, ideenreich und eklektisch wie zu ihren besten Zeiten, wenn auch alles andere als leichte Kost. Zur Befeuerung ihrer Kreativität hat sie sich prominente Kollegen wie Timbaland, Antony Hegarty (Antony And The Johnsons) oder Mark Bell von LFO ins Studio geholt, die gemeinsam mit Musikern aus Afrika, China oder Island für eine exotische Mischung von Sounds und Rhythmen sorgen. Inspiriert von einem Aufenthalt im vom Tsunami erwüsteten Indonesien eröffnet „Earth Intruders“ mit stampfenden Marschtrommeln und treibenden Beats, gefolgt von „Wanderlust“, einer Symphonie von Schiffshörnern, Bläsern und Björks hypnotischem Gesang. Eine Aura düsterer Feierlichkeit liegt auch über „The Dull Flame Of Desire“ und „Innocence“, das dank Timbalands exquisiter Produktion fast schon Hitqualitäten besitzt. Es gibt aber auch Momente fragiler Schönheit wie „I See Who You Are“ mit dem afrikanischen Kora-Meister Toumani Diabate oder „Hope“, das die Geschichte einer palästinensischen Selbstmordbomberin erzählt. „Declare Independance“ dagegen mit gnadenlosem Techno-Beat und wüstem Feedback-Lärm hätte sich auch auf dem neuen Album von Nine Inch Nails gut gemacht. Am Ende versöhnt sich Björk im Duett mit Anthony mit der Welt, deren Zerrissenheit Volta musikalisch eindrucksvoll auf den Punkt bringt.“ (http://www.now-on.at/kritiken.artikel.php?artikel=492)

Björk bei myspace und Wikipedia

http://bjork.com/ – die offizielle Webseite

Das Video zum Titel „Wanderlust“ aus dem Album